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Presse - Monica Isakstuen

Zittauer Theater wagt sich an heikles Thema – Sächsische.de/Zittau

03. April 2022

Die Lange Nacht der verbotenen Begierden“ bringt Bedrückendes zur Sprache: zwei Stücke um die Sexualität Minderjähriger die fesseln und bewegen.

Eine überforderte Mutter zwischen Hunderten Plüschtieren, überfordert vom "Mannwerden" ihres Sohnes; zwei Menschen in einem verlassenen Bürogebäude, die einmal fast ein Paar waren, sie mit zwölf, er mit 40. Zwei völlig unterschiedliche Kammerspiele hatten am Sonnabend in Zittau Premiere, vereint durch das gleiche Thema – den Umgang Erwachsener mit der Sexualität Heranwachsender und den damit verbundenen Grenzen, Tabus und leider auch: Begierden.

Das Gerhart-Hauptmann-Theater wagt sich damit an ein Thema heran, das auf der Bühne wohl bei jedem bedrückende Empfindungen auslöst, ob er sich nun an das Erwachen der eigenen Sexualität erinnert oder weil er selber Kinder hat.

Mißbrauch oder Liebe

Im ersten Stück „Blackbird“ geht es wie in Nabokows „Lolita“ um die Beziehung zwischen einer Minderjährigen und einem Mann im besten Alter. (...)

Wenn Verdacht vererbt wird

Im zweiten Stück „Sieh mich an, wenn ich mit dir rede“ von Monica Isakstuen, ist es der Glaube an die Harmonie zwischen Eltern und Kind, der bis aufs Tiefste erschüttert wird. Sabine Krug spielt hier eine Frau, die mit Entsetzen verfolgt, wie ihr Sohn heranreift, schon früh den Vergewaltiger in ihm verdächtigt und hin- und hergerissen ist zwischen Liebe und Wut. In der Rückblende spielt sie das Mädchen, dass diese Frau einst war: aufgewachsen mit der Sorge des Vaters, es könne einem Entführer zum Opfer fallen, aber dadurch erst animiert, Verbotenes auszutesten.

Als Erwachsene trägt sie diese Sorge in die nächste Generation, ohn zu bemerken, dass erst das Einmischen in die Privatsphäre des Kindes genau zu dem führt, was sie befürchtet. Den Vater und den Sohn der Frau süielt Paul-Antoine Nörpe: kindlich, anschmiegsam. Wütend, schreiend, fürsorglich, irritiert und in Rage über seine unkontrollierbaren Gefühle. Beide Darsteller sind enorm überzeugend, sodass auch ihr nicht ganz passendes Alter außer Acht gerät.

Fantasie und Komik erleichtern Tragik

Die fantasievolle Inszenierung von Lisa Pauline Wagner, unterstützt vom ebenso einfallsreichen Bühnenbild von Sven Hansens, basiert mehr auf Andeutungen als auf klarer Erzählungen. Sie traut dem Zuschauer zu, sich die Geschichte assoziativ zusammenzusetzen und eröffnet den Schauspielern Raum ihre Kunst – bei Paul Nörpel bis zur Akrobatik - auszuleben, auch weil sie das Thema auf teils groteske, komische Weise angeht.

Schon in der Pause der „Langen Nacht der verbotenen Begierden“, einer Idee von Dramaturg Martin Stefke, kann man bei Musik einer Band bedrückende Gefühle loswerden. Das zweite Stück schafft es durch seine spielerische Offenheit, dass die Last nicht zu groß wird, die man aus dem Abend mitnimmt.

Von Ines Eifler

Die Premiere ist zermürbend und brutal. Und sehr gut. – Bergens Tidende

28. Januar 2022

Von Charlotte Myrbråten

DIE NATIONALE SZENE (DNS)1) konzentriert sich stark auf die Inszenierung von zeitgenössischen Romanen und Klassikern. Es dauert zu lange, bis neu geschriebene Stücke ihren Weg auf die Bühne finden, und Projekte wie dieses sind daher besonders spannend und willkommen. Dann ist es auch erfreulich, dass es so erfolgreich ist. In all seiner dunklen Materie. Das Stück ist klaustrophobisch, zermürbend und brutal. Und nicht zuletzt gut. Isakstuen hat sich als Schriftstellerin hervorgetan, die mit Präzision, Geduld und Freundlichkeit an den Grenzen der Menschen herumstochert. Sie hat zuvor die Rolle der Mutter auf originelle und transgressive Weise untersucht und in Frage gestellt, und auch die Beziehung zwischen Mutter und Tochter steht im Mittelpunkt dieses Textes. Denn ist Mutterliebe nicht immer grenzenlos, unerschöpflich und eine Art universelle Urkraft?

DIE ROLLEN IN "Das hier sind nicht wir" heißen Meine Mutter, mein Vater, meine Schwester und mein Bruder. Das Ego glänzt durch Abwesenheit. Für wen fehlt es und wieso überhaupt? (...)

Die Familie befindet sich also in einer Krise, aber das ist nicht die Art von Krise, in der sie sich gegenseitig auf die Schultern weinen und trösten.  Isakstuen zeigt auf brillante Weise, wie Trauer spalten, hasserfüllt, hektisch und voller Angst sein kann. Oder „voller Traurigkeit“, wie der Vater erklärt, wie es für die Mutter unmöglich ist, aus der „Entschuldigung“ herauszukommen, und wie es da ist und alles durchdringt, was sie tut.

Auf einer allgemeineren Ebene werden Identitätsfragen beleuchtet: Wer bin ich angesichts dieser anderen Person? Wer war ich, wer wurde ich? Was mache ich, wenn ich in meiner eigenen Rolle feststecke?

(...)

DIE VIER SCHAUSPIELER KOMMUNIZIEREN den Text gut, und das Gefühl der Eingesperrtheit und Erschöpfung färbt auf das Publikum ab. Der Raum fühlt sich immer kleiner an. Sie wechseln zwischen Ausbrüchen und Explosionen, wobei die Kommunikation zwischen ihnen weitgehend vollständig zusammenbricht.
Da kann es schon mal zu hektisch werden, da werden etliche Stühle umgeworfen und den weiblichen Darstellern Sätze zugebrüllt. Dann ist es gut, dass es mit größerer Ruhe bei den Männern ausgeglichen wird – eher Apathie und das Gefühl, aufgegeben zu haben, bescheibt es vielleicht besser.


1) DEN NATIONALE SCENE, Theater in Bergen, Norwegen:
UA von «Dette er ikke oss»  von Monica Isakstuen  /  Regie: Annika Silkeberg

Das sind wahrscheinlich wir – Norsk Shakespearetidsskrift

27. Januar 2022

Von Ingvild Bræin

Monica Isakstuens neues Stück, von einem großartigen künstlerischen Ensemble aufgeführt, schafft ein gutes und störendes, oder ein verstörend gutes Theatererlebnis.

Ziemlich schnell in Monica Isakstuens  denke ich, dass die Schauspieler eine Herausforderung gehabt haben müssen, den Text zu lernen.
Hier gibt es kein einziges Unsinnswort, es ist eine klare Rede, aber es gibt viele Variationen von „Das bin nicht ich, das ist nicht mein Leben, das ist nicht meine Familie, das ist nicht mein Frühstück, das ist nicht mein Körper“, etc. Das einzige, was schwieriger ist, als Kauderwelsch zu lernen, sind Wortbildungen, die einander ähnlich sind. Aber hier 'halten alle Schauspieler ihre Zunge im Mund', und schicken uns in eine solide Analyse dessen, was es bedeutet, zu sein oder nicht zu sein. Denn das ist die Frage.

Mutter, Vater, Schwester und Bruder leben ihr Leben in einer Szenografie, die hauptsächlich aus Stühlen besteht, Kissen und jede Menge leeren Raum.
Sie wechseln zwischen der Anerkennung ihrer Existenz, der des anderen und der Verleugnung. Ob sie eine trotzige Tochter im Teenageralter sind, wohlmeinender kleiner Bruder, neurotische Mutter oder desillusionierter Vater, es ist verlockend, sich gelegentlich zu wünschen, sie wären woanders.
Auf der trivialen oder buchstäblichen Ebene kann man sagen, dass sich das Stück darum dreht. Auf einer allgemeineren Ebene werden Identitätsfragen beleuchtet: Wer bin ich angesichts dieser anderen Person? Wer war ich, wer wurde ich? Was mache ich, wenn ich in meiner eigenen Rolle feststecke?

Regisseurin Annika Silkeberg hat das volle Register der Schauspieler genutzt, während sie sich alle zwischen gedämpfter Rede und lauten, tollwütigen Ausbrüchen bewegen. Die Ausbrüche sind teilweise sehr stark, weil sie sowohl textlich, temperaturmäßig als auch zeitlich grenzenlos sind.
Es bedeutet nicht, dass es gut ist, solange es laut und lange geschrien wird, es bedeutet, dass es gut sein wird, weil sie laut und lange in genau dieser gerichteten und ausgeführten Weise schreien. (...)

Dass sich die Charaktere von Anfang bis Ende derart auf die Nerven gehen, geht auch dem Zuschauer auf die Nerven. Die Leistung dieser Verneinung (wie im Titel) ist nichts für Leugner, rückständig genug. Die Unruhe ruht nicht zwischen den Zeilen, sie vibriert in deinem Gesicht. Was wir auch noch ins Gesicht serviert bekommt, ist der Humor, der sich um die Darbietung rankt als natürliche Selbstverständlichkit, nicht als Balz. Es ist, als ob Humor einfach Teil der Tragödie ist, das sollte man anerkennen.

Während der Aufführung wird man wahrscheinlich an den Punkt kommen, einen Notausgang zu suchen, um Luft zu holen, das ist ein enger Raum, in allem was gezeigt und gespielt wird. Aber Sauerstoff kommt in verschiedenen Formen vor, wie zum Beispiel bei der Mutter, die sich unglaublich viel Mühe gibt, nicht in der Familie mitzuschwingen. Wie beim resignierten Vaters, der in Andeutungen unterdrückte Emotionen zeigt. Bei dem besitzergreifenden, suchenden kleinen Bruder, der mehr erlebt, als sein Alter vermuten lässt, weil ihm keine andere Wahl bleibt in dieser Familie. Wie bei der jugendlichen Tochter, die herausfordernd, selbstgerecht, nachdenklich und beängstigend ist.


Also: Sind wir das denn? Ich habe schreckliche Angst davor. Aber natürlich nur im Theater.